Мистецтво та мода відомих суконь у живописі, що впливають на стиль жінок Мондена
Для цих жінок все, починаючи від їхнього багатства, характеру та політичного/суспільного ставлення, стало показовим для того, на кого вони покладалися на цих картинах. Знали вони це чи ні, вони впливали на модні тенденції, критикували обурення та використовували моду, щоб представити себе навколишньому світу. Нижче - дев'ять картин із відомими сукнями, починаючи від епохи Відродження і закінчуючи сучасною епохою.
Картини епохи Відродження з відомими сукнями
Відродження було періодом культурно-мистецького відродження, класицизм повернув революцію в європейських суспільствах. Однак цей період також зазнав значних змін у моді. Погляньте, як знамениті сукні на картинах впливали на моду в епоху Відродження.
Портрет Арнольфіні (1434) Яна Ван Ейка
Портрет Арнольфіні, Ян Ван Ейк, 1434, через Національну галерею, Лондон
Весільний портрет Арнольфіні Яна Ван Ейка є важливим елементом у вивченні портретних тканин. Техніка Ван Ейка нічого не залишає для уяви, оскільки його підхід до розпису тканин створює реалістичний і тривимірний досвід. Смарагдово-зелений у драгоценних тонах її вовняного одягу та рукави, обшиті герменевтикою, представляють статус сімей, оскільки лише багаті клієнти могли дозволити собі тканини на зображенні вище.
Шерсть, шовк, оксамит і хутро були рідкісними і дорожчими у виробництві, ніж бавовна або льон, і були символом статусу того, скільки він міг собі дозволити купити. Вона також демонструє багатство чоловіка, оскільки показує, що могла дозволити собі придбати багато метрів тканини для створення своєї сукні. Одним з найбільш обговорюваних питань щодо живопису є вагітність жінки на знімку (можливо, дружини Арнольфіні) чи ні. Спідниці епохи Відродження були настільки повними і важкими, що жінки піднімали спідниці вгору, щоб було легше рухатись.
Додані пишні складки її сукні також виявляють тенденцію в описі жінок з більш вигнутими середніми частинами, оскільки вона виявила надію на зачаття дітей під час шлюбу. Інший приклад цього - Les Très Riches Heures du Duc de Berry від братів Лімбург. На обох зображеннях самки представлені круглими животами. Зображення зліва показує весілля і порівнянне з портретом Арнольфіні, оскільки обидві жінки проектують образ материнства в очікуванні вагітності. Не дивлячись на картину сучасним об'єктивом, можна побачити це як запис того, що носили жінки, і що важливо було розкрити чоловікам іншим.
Картини бароко та рококо
Епоха бароко та рококо може характеризуватися вишуканою, декадентською та грайливою обробкою. Ці тенденції були помічені не тільки в мистецтві, але і в моді завдяки хитромудрому орнаментуванню та щедрим сукням. Погляньте на деякі відомі сукні, натхненні художніми творами.
Елізабет Кларк Фрік (місіс Джон Фрік) і Дитина Мері (1674)
Увага цього художника до деталей та зосередження на одязі робить цю картину важливим життєвим рекордом для пуритан в Новій Англії. На цьому образі Елізабет прикрашена витонченими тканинами та американськими аксесуарами 1600-х рр. Її білий мереживний комір вказує на популярне європейське мереживо серед аристократичних жінок. Верх сукні - вишита золотом оксамитова спідниця, а її рукави прикрашені стрічками. Він прикрашений прикрасами з перлового намиста, золотого кільця та гранатового браслета. Ця картина пропонує унікальний погляд на пуританське життя Єлизавети та її сім'ї.
Художник вміє змішувати образи свого багатства в скромній обстановці. Картина наочно демонструє багатство Елізабет, коли вона вирішила одягнути найкращий одяг та прикраси. Це також відображає багатство її чоловіка, Джона Фріка, мати можливість дозволити собі цю розкіш та замовити цей портрет, а також один із його власних. Живопис також означав би їхнє пуританське ставлення до вдячності Богові, бо без Його благословення вони не могли мати цих розкошів.
Гойдалки (1767) Жана Оноре Фрагонара
Гойдалки Жана-Оноре Фрагонара, 1767 рік, через колекцію Уоллеса, Лондон
Гойдалки Жана-Оноре Фрагонар є прикладом стилю рококо у французьких аристократичних колах. Картина була приватною комісією, в якій французький придворний попросив Фрагонара створити цю картину для себе та своєї коханки. Хоча картина була розміщена за зачиненими дверима, вона виявляє розкіш, легковажність та підпільний характер французького королівського двору.
Пастельно-рожеве плаття виділяється серед пишного саду і є центральним пунктом твору. Фрагонар розмальовує сукню безкоштовними пресами, що імітує розмашисті спідниці та розтріпаний ліф сукні. Його безкоштовні пензлі збігаються з предметом у цій ідилічній садовій сцені, сповненій шикарних та химерних образів. Незважаючи на обмежені корсети, суєти та жіночий одяг, єдиного місця, де її не було, був нижній край жіночої спідниці. Фрагонар використав це на свою користь, тоді як він зобразив жінку, яка стояла в ідеальному місці, щоб її хлопець міг шукати її спідницю. Приватна комісія дозволила Фрагонарду експериментувати зі своєю темою і дозволила глядачам дізнатися, яким було життя найбагатших людей у суді.
Його живопис також демонструє тенденції, встановлені у французькому суді моди. Рококо перевершив моду, мистецтво та архітектуру, створивши щось унікальне у Франції. Мода в стилі рококо включала найрозкішніші тканини, зокрема пастельний шовк, оксамит, мережива та квіткові візерунки. Він також включав надмірну кількість бантів, прикрас, рюшів та декоративних прикрас, щоб створити вигляд, що повертає голову. Стиль визначав різницю між бідними та багатими, оскільки аристократія могла дозволити собі розкіш тонких тканин та орнаментів. Для жінок, які носять такі прикраси в стилі рококо, картина є символом французького королівського двору до революції.
Знамениті сукні на картинах 19 століття
У ХІХ столітті відбувся мистецький перехід від неокласицизму до раннього модернізму, поступившись місцям стилям та школам думок. У цьому столітті також відбулися зміни в моді; читайте далі, щоб побачити, як картини вплинули на представлення відомих суконь та фасонів, які були особливо сучаснішими, ніж раніше.
Симфонія в білому кольорі No1: Біла дівчина (1862) Джеймса МакНіла Вістлера
Симфонія в білому №1: Біла дівчина Джеймса МакНіла Вістлера, 1862, через Національну галерею мистецтв, Вашингтон, округ Колумбія.
"Мистецтво заради мистецтва" стало асоціюватися із "Симфонією у білому" №1: Біла дівчина, оскільки Джеймс МакНіл Вістлер задумав, що живопис має духовне значення. Критики, однак, не бачили його таким, оскільки зображена жінка - Джоанна Хіффернан (його коханка на той час). Що ще важливіше, пальто, яке Уістлер вирішив намалювати Хіффернану, запечатувало угоду і зробило це плаття виділятися серед інших його картин. У той час цей портрет був епатажним завдяки тому, що Вістлер зобразив чисто біле жіноче плаття. У 1800-х роках вбрання жінки часто включало сталеву кринолінову спідницю, щоб тримати її спідниці на плаву. Жінки також носили корсети серед багатьох інших нижньої білизни для створення ширших спідниць.
Жінка в білому - прямо протилежна тому поважному стандарту одягу того часу. Її чайний халат - це одяг, яку дозволено побачити лише її чоловікові (або хлопцеві), оскільки його легко можна зняти. Це було денне плаття, яке носили приватно і не стало популярнішим до початку 1900-х років для повсякденного одягу. Для Вістлера його муза повинна була бути частиною загальної приємної для очей сцени. Він зобразив Хіффернан такою, якою її бачив, і для глядачів на той момент картина була одночасно заплутаною і дещо непристойною.
Портрет Мадам X (1883) Джона Сінгера Сарджент
Портрет місіс Х Джона Сінгера Сарджента, 1883-84, через Музей мистецтв Метрополітен, Нью-Йорк
Хто стоїть перед мадам Ікс, дивується зросту та блиску її портрета. Джон Сінгер Сарджент створив образ жінки, яка, хоча і була неприйнятною для свого часу, стала однією з найбільш визнаних і шанованих його картин. Це портрет місіс П’єр Готро, американської красуні, змішаної у французькому вищому суспільстві. Це створило такий скандал, що самому Джону Сінгеру Сардженту довелося виїхати з Парижа до Лондона.
Хоча сукні, подібні до її, носили як костюми або на вечірки, їх не носили у повсякденному суспільстві. Є певні деталі, які роблять це плаття таким епатажним. Її ліф надзвичайно спрямований до нижньої половини живота. Гострий виріз із V-подібним вирізом і бісерні ремінці ледь прикривають її плечі і виявляють те, що вважалося інтимною частиною жінки, настільки непридатною для публічного показу.
Після того, як Сарджент представив картину на Паризькому салоні в 1884 році, вона викликала гнів серед критиків та глядачів. Це спричинило суперечки щодо того, щоб заміжню жінку в її класі бачили на публіці таким провокаційним способом. Для глядачів Салону вона виглядала так, ніби носила нижню білизну, а не справжню сукню. Картина була шкідливою для мами. Репутація Готро як народу сприймала її портрет як відображення поступливої особистості.
Спочатку це мав бути не буквальний переклад мадам. Персонаж Готро. Сарджент сам обрав її сукню та позу, а реквізит нагадує давньоримські статуї, натякаючи на Діану, богиню полювання та місяця. Це творіння вплине на їх репутацію. Врешті-решт Сарджент видалив своє ім’я з портрета, перейменувавши його на Мадам X.
Знамениті сукні на картинах 20 століття
Мистецтво ХХ століття зосереджувалося на абстракції та виразності, зазнаючи значних змін із новими стилями та темами. Це також призвело до дослідження нових форм та синтезів моди та мистецтва. Ось відомі сукні, побачені на картинах у новаторському столітті.
Портрет Адель Блох-Бауер I (1907) Гюстав Клімт
Золота сукня Адель Блох-Бауер демонструє зображення Густава Клімта жінки, нестримної навколишнім світом. Порівняно з іншими портретами дам вищого суспільства свого часу, цей портрет вирізняється серед решти. Замість того, щоб малювати жінку високого класу, яка відпочиває в садах чи читає на диванах, Клімт перетворює Адель на світську фігуру. Її сукня - закручена фігура, повна трикутників, очей, прямокутників та іконопису. Немає ознак прямих корсетів або шарів на шарах одягу. Натомість її ілюструють такою ж нестримною, як вона пливе у своєму золотому світі. Модерн містить теми про природу та міфічні образи. Це також стосується богемної моди, яку Клімт носив і використовував у різних інших картинах.
Клімт часто малював моделі, створені модельєром Емілі Фльоге. Вона не така відома, як її сучасниці чи попередниці у світі моди, але вона зробила рішучі кроки у створенні моди для жінок свого часу. Іноді це були спільні зусилля, оскільки Клімт використовував свої знамениті сукні на багатьох інших своїх картинах. Сукні Flöge мають широкі силуети та широкі рукава, які не включали корсети та інший обмежувальний одяг. Роботи Клімта і Флоге просунули богемний спосіб життя з незрозумілими межами між традиційним і нетрадиційним, як це видно на портреті Адель Блох-Бауер.
«Два фріди» (1939) Фріди Кало
«Два фріди» Фріди Кало, 1939, в Музеї мистецтв Модерно, Мехіко, через Google Arts and Culture
Кольоровий і ручно тканий текстиль Мексики пов’язаний із спадщиною Фріди Кало. Вона прийняла цей одяг як частину своєї спадщини, і на ній є кілька автопортретів та фотографій. Знамениті сукні Фріди Кало, представлені в "Двох фрідах", символізують її зв'язки з обох сторін європейської та мексиканської спадщини.
Фріда зліва відображає її виховання в сім'ї середнього класу. Її батько був родом з Німеччини, а її домашнє життя в дитинстві містило західні звичаї. Біле мереживо її сукні символізує популярний в європейській моді стиль. Ця вестернізована версія контрастує з правильним бажанням Фріди прийняти її мексиканську спадщину, одягнувши традиційне плаття Теуана. Цей одяг заохочував її чоловік Дієго Рівера, особливо в боротьбі за зміни в своїй країні. Вона показала свою гордість носінням корінного та традиційного мексиканського одягу.
Одяг Кало є важливим аспектом її життя та роботи. Після зараження поліомієлітом у дитинстві одна з її ніг була коротшою за іншу. Її барвисті спідниці стали для неї способом сховати ногу так, щоб захистити її від контролю. Її гардероб включав сукні Теуана, блузки з хуїпіль, ребозо, навушники з квітами та антикварні прикраси. Цей одяг важливо відзначити, дивлячись на роботу Кало, оскільки він є ілюстрацією любові, болю та страждань, які він втілює у її роботі.