Війна на висоті дитини у 10 фільмах, від Кролика Джоджо до La Vie est Belle - Новини кіно - alloCiné
Як і Тайка Вайтиті з "Кроликом Джоджо", ці режисери знімали війну своїми камерами на зріст дітей. Повернімось до десяти з них.
Розкритий на цьому боці Атлантики його фальшивим документальним фільмом з довгими зубами (Вампіри у всій близькості), а потім його смішним опусом кінематографічного Всесвіту Marvel (Тор Рагнарок), Тайка Вайтиті також є режисером, який любить виставляти дитинство на сцену. І він ще раз доводить це за допомогою Кролика Джоджо, що ми можемо розглядати як третю частину трилогії, розпочатої з Хлопчика, а потім Полювання на диких людей, інших ініціативних історій, що поєднують жанри і в яких молоді герої стикаються з суворістю світу в якому вони живуть. У справі Джоджо (Роман Гріффін Девіс) мова йде про Німеччину наприкінці Другої світової війни.
Вперше розігруючи карту гумору, коли він глузує над гітлерівськими юнаками, героєм яких він є, або створює для нього гротескного і токсичного уявного друга, що має вигляд Адольфа Гітлера (його грає сам Тайка Вайтиті), художній фільм поступово переходить у драму зіткнувшись із нами, разом із Джоджо, з суворою реальністю війни, на безглуздість якої він також вказує. Йдучи слідами Диктатора або La Vie est belle, у власному стилі режисер підписує сатиру проти ненависті, яка відповідає сучасним подіям, викликаючи з гумором, поезією та точністю такі поняття, як індоктринація та популізм, які змушує нас бачити 11-річного юнака, який скаржиться, що не добре бути нацистом. Доказ того, що ми можемо з усього сміятися, якщо робимо це добре.
Особливо зворушлива сцена з Кролика Джоджо не забуде згадати La Vie est belle, фільм із трьома преміями "Оскар" (за сім номінацій), включаючи фільм "Найкраща чоловіча роль" порушника Роберто Беніньї, який широка громадськість виявила одного травневого вечора 1998 на сцені Палацу фестивалів у Каннах, коли він кружляв президента журі Мартіна Скорсезе, ноги якого він щойно поцілував, отримуючи нагороджений ним Гран-прі. Як і він, художньому фільму Тайки Вайтиті вдається розсміяти людей навколо серйозної теми. Але він на боці євреїв, депортованих до концтабору: хлопчик та його батько, які зроблять усе, щоб його син не втратив маленьку невинність, яка йому залишилася.
Заснована головним чином на вбивстві актора та режисера, "La Vie est belle" знаходиться на зрості дитини через Призма гри. Та, для якої Гвідо (Роберто Беніні) впродовж днів вигадує правила, щоб приховати від Джозуе (Джорджо Кантаріні) жах, який їх оточує і який в кінцевому підсумку їх ловить. Кумедна і зворушлива, така ж буйна, як її автор часом, ця симпатична байка збирає 4721003 глядачів у французьких кінотеатрах і виділяється як еталон щодо змішування тонів. Пік у кар’єрі режисера, якому після цього не вдасться відродити такий успіх.
Навіть більше, ніж La Vie est belle або художні фільми, згадані нижче, «Могила світлячків» опиняється в дуже хорошому становищі, коли мова заходить про те, що фільми, які змушують вас плакати найбільше. Через три десятиліття після виходу шедевр Ісао Такахати не втратив нічого руйнівного, що робить його одним із визначних пам’яток Studio Ghibli. Як це зробив його друг Хаяо Міядзакі через двадцять п’ять років із фільмом «Підйом вітру», режисер підходить до Другої світової війни з точки зору Японії. Але більш лобовим способом, не кажучи вже жорстким, з історією, яка відбувається в сутінках конфлікту, коли країна зазнає американських бомбардувань, і насувається безпрецедентний жах, який змінить обличчя Землі.
Випущена в 1988 році, «Могила світлячків» майже пролунала перед Гіблі, перед тим, як фільм провалився в касах. Треба сказати, що Такахата, хоча і більш оптимістичний, ніж Міядзакі, незважаючи на те, що пропонують їхні відповідні роботи, підписує художній фільм, більше призначений для підлітків і дорослих, ніж для дітей, хоча двоє з них є героями історії. плакат trompe-l'oeil, де поезія, чистота і невинність приховують реальність набагато страшнішу і трагічнішу. Наближаючись до деяких майстрів японського кіно в живих кадрах, Ясудзіро Одзу лідирує своєю увагою до деталей, цей опус нагадує нам, що анімація зарезервована не лише для найменших і може торкнутися серця більше, ніж жива дія.
Поставивши свою камеру на зріст дитини, Стівен Спілберг вже освоїв її перед створенням цього фільму, що він, зокрема, довів завдяки "Зустрічам третього виду" та "ЕТ". Два художні фільми, які приєдналися до одного з найневідоміших у кар'єрі режисера, котрий на той час, здавалося, хотів показати, що він також може вирішувати важкі теми: расизм у фільмі «Фіолетовий колір» і, отже, війна в «Імперії Сонця». Від «Списку Шиндлера» до «Міста шпигунів» ця тема повернеться у різних формах до решти його фільмографії, причому молодість обов’язково не буде на першому плані, і тут йому вдається привласнити історію, яка не є його.
Але режисер, безперечно, знайшов у романі Дж. Дж. Балларда, заснованому на його власному житті, найбільш підходящий кут для розповіді про війну. Автор озирається на свої чотири роки, проведені у в’язничному таборі під час Другої світової війни, розриваючись між подіями, які змусили його дорослішати та увійти у світ дорослих до свого часу, та силою фантазії, яка дозволяє йому змінити своє повсякденне життя в пригоду і зберегти трохи душі своєї дитини. Так само, як мрії про кіно дозволили Спілбергу зіткнутися з розлученням батьків, тінь яких нависає на всю його роботу. Драма, посипана відтінками гумору, "Імперія сонця" - це також фільм, який розкрив майбутнього головного актора в особі Крістіана Бейла, який здійснив одну з перших своїх кінострічок.
Коли справа доходить до показу конфлікту очима дитини, багато режисерів обирають Другу світову війну. Можливо, тому, що багато хто з них знав її здалеку (через батьків) чи близько, як Рене Клемент. Через шість років після отримання в Каннах премії журі за його залізничну битву, зосереджену на актах опору німецьких залізничників під час німецької окупації у Франції, чи не горить майбутній директор Парижа? підписує один із своїх найвідоміших фільмів із інтер'єктами Дже, чия солодкість відповідає лише жорстокості початкової сцени, під час якої молода Полетт бачить, як її батьки та її собака гинуть з її вини під час бомбардування.
Після закінчення цього травматичного вступу війна залишається поза картиною цієї казкової драми, яка досліджує відношення цих дітей до смерті, коли вони будують кладовище для комах та дрібних тварин, тоді як той, хто з членів сім'ї взяв у дівчинки гине. Як це зробить Стівен Спілберг та Роберто Беніні через кілька десятиліть, Рене Клеман пом'якшує жорсткість контексту своєї історії, покладаючись на силу фантазії. Навіть якщо обидва герої (бездоганно зіграні одкровеннями Жоржа Пожулі та особливо Бріжит Фоссі) раптом виявлять правила світу, в якому вони діють, фільму вдається, як і знаменитій музичній темі Нарцисо Йепе, вдихнути трохи солодкості у повсякденному житті, де жах вражає без попередження та у різних формах.
Підхід, який дав свої результати, хоча шрами Другої світової війни ще не закрилися, тому що Іо інтердітам вдалося зібрати в театрах у 1952 році 4911128 французів, щоб представити їм бачення, яке було і ніжним, і жорстким, реалістичним і поетичним, конфлікт, який закінчився менш ніж десятьма роками раніше. І тому надайте трохи більше ваги своєму прізвисько "Шестикутний Росселліні".
До Рене Клемента, таким чином, був Роберто Росселліні, який не чекав кінця Другої світової війни, щоб задокументувати це на великому екрані, оскільки відкрите місто Рим, випущене в 1945 році, слідувало за жителями італійської столиці, поки воно ще було в полоні фашизму. Два роки по тому він поставив свої камери на іншого переможеного в результаті конфлікту зйомки Німеччини нульовим роком і, таким чином, підтвердив свій статус папи неореалізму, на півдорозі між документальним фільмом і реальністю, де аматори та природні обстановки співіснують із професіоналами та справжнім постановка.
Отже, це стосується цього художнього фільму, випущеного в 1947 році, який показує нам все ще димчачий попіл руїн Берліна і відображає необхідність відбудови, слідуючи за молодим хлопчиком Едмундом у віці 12 років, який намагається вижити разом зі своєю сім'єю. за наслідками війни, між батьком, замкненим у його спогадах, і старшим братом, якого вислівили за служіння нацистському режиму. Навіть якщо поезії вдається заважати дуже легким дотикам, це перш за все реальність, яка переважає в процесі цієї дитини у пошуках нових орієнтирів, і світ якої загрожує руйнуватися, як напівбудова, зруйнована в якій він живе.
Поглядом і об'єктивом камери Роберто Росселліні демонструє нам спустошення війни та демонструє гуманізм, припускаючи, що фізична, моральна та матеріальна шкода однакова в кожному з таборів. Все в трагедії з документальними акцентами, де суворість реальності стикається з рештою невинності, яку може містити погляд дитини, яка пережила конфлікт.